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Bol : De la Perte du Corps à la Perte de la Dignité

Liu Sichuan

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La première impression de la série Bol de Laurent LU est une sensation frappante et glaciale de désespoir. Dans les espaces confinés des peintures, des corps humains nus sont repliés ou étendus, se rapprochant ou s’éloignant d'un bol vide. Ici, le bol vide devient l'image centrale, se détachant en isolement avec une présence profonde. Les corps nus, tous tournés loin du spectateur sans révéler de visages clairs, exhibent un état primitif, animal ou même spectral.

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Cette série hantée ressemble à une séquence de drames silencieux. Les corps déformés, sans visage, bien qu’ils manquent de langage, créent une résonance émotionnelle intense à travers leurs postures et leur relation spatiale avec le bol vide, évoquant un profond sentiment de désespoir et de tristesse chez le spectateur. L'absence de traits faciaux symbolise l’effacement de l’identité individuelle, et l'absence des yeux soulève une question fondamentale : Possédons-nous réellement des « yeux » pour voir ? Pour l’artiste, l’imagerie introduit de l'incertitude quant à l'identité, la plaçant dans le flot infini du temps. Les scènes créées par ces figures peuvent traverser le passé, le présent et le futur, ou être présentées de manière répétée. Avec l’évolution de la perception et de la représentation de ces images par LU, un symbole irrationnel et anticipatoire émerge : l’Acéphale (une figure sans tête, représentant le rejet de l'autorité et du leadership centralisé). Dans la vision cyclique de l’histoire de Spengler, sommes-nous aussi rationnels que nous l'imaginons ? Possédons-nous réellement une « tête », ou sommes-nous comme des paramécies, aveugles et dérivant sans but dans le fleuve du temps ? Cette notion résonne quelque peu avec les perspectives de Georges Bataille.

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Du point de vue chronologique, la série Bol couvre presque l'intégralité de la production créative de Laurent LU en 2023. Ses thèmes, symboles et la narration expansive qu'ils véhiculent reflètent un tournant transformateur dans le focus de l’artiste et sa phase philosophique. Elle marque un départ des narrations antérieures de LU sur l’histoire, le collectif et l'individu, pour se tourner vers une enquête existentielle plus instinctive. À travers cette série, une force intangible semble nous éloigner des couches d’un monde superficiel et nous emmener dans un paysage intérieur stérile.

Ce paysage stérile est-il celui de l’artiste lui-même, ou est-ce le reflet de notre propre vide intérieur ?

Le Bol et le Corps Humain : Façonner des Symboles et Plonger dans des Significations Plus Profondes

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Le symbole central dans la série Bol de Laurent LU est le bol lui-même – un objet ordinaire du quotidien qui, sur la toile de LU, est imprégné d'une immense signification symbolique. Dans ces peintures, le bol semble être une présence froide et indifférente. Ce n’est ni un « récipient pour la nourriture » traditionnel, ni un symbole de « l'abondance ». Au contraire, il se tient vide et désolé, exhalant une force symbolique puissamment distillée.

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En tant que seul objet de la composition, le bol introduit un espace rempli de tension. L’artiste l’utilise pour briser le vide, obligeant le spectateur à réfléchir à son rôle dans la scène entière. Les corps nus, dépourvus de tout autre point de repère dans l’espace, semblent s'accrocher au bol comme à leur seul centre, leur seul objet de sens.

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Le bol, en tant que symbole, incarne une double nature de vide et de contenu : d'une part, c'est un contenant destiné à retenir une substance matérielle, représentant la satisfaction des besoins physiques de la vie ; d'autre part, son vide suggère une quête spirituelle insatiable. Dans chaque peinture, le bol n'est jamais totalement rempli, et en termes d’échelle, il apparaît souvent grand, tandis que les figures humaines sont relativement rétrécies et déformées. Ce contraste de taille et le vide du bol semblent signifier le vide inassouvi présent dans l’existence humaine.

 

En contraste avec le bol, la posture des figures humaines émerge comme un autre symbole crucial. Tous les personnages sont nus – sans vêtements ni décorations superflues. Leur nudité n’est pas une expression traditionnelle de la beauté du corps humain ; elle reflète plutôt une réalité brute et primale dépouillée de tous les symboles sociaux. Certains personnages tournent le dos au bol, semblant l’éviter ; d’autres s’alignent parallèlement à lui, comme s’ils cherchaient dans un état de confusion et d’incertitude ; d’autres encore l’affrontent de face, adoptant une posture de défi. Cette représentation minutieuse des postures remplit l'œuvre d'émotion et d'un sentiment d'inconfort. Les corps nus eux-mêmes symbolisent la vulnérabilité et l’état primal de l’existence humaine. Dépouillés de leur identité sociale et de leurs étiquettes, les personnages incarnent leurs instincts de survie les plus élémentaires à travers leurs expressions corporelles.

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Il s’agit d’un regard destiné à être perturbant. Le bol, en tant que point focal des mouvements corporels, exerce une force gravitationnelle inévitable, influençant chaque geste subtil des figures. La posture de chaque corps semble lutter dans le champ gravitationnel du bol, comme si chaque mouvement répondait au vide inassouvi qu’il incarne. Le bol concentre la force de toute la scène, transmettant silencieusement les luttes de la vie, cycliques et irrésolues.

La construction de ces deux symboles – le bol et le corps humain – ainsi que le regard et le conflit entre eux, nous entraîne dans une lutte éternelle.

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Il s’agit d’un regard destiné à être perturbant. Le bol, en tant que point focal des mouvements corporels, exerce une force gravitationnelle inévitable, influençant chaque geste subtil des figures. La posture de chaque corps semble lutter dans le champ gravitationnel du bol, comme si chaque mouvement répondait au vide inassouvi qu’il incarne. Le bol concentre la force de toute la scène, transmettant silencieusement les luttes de la vie, cycliques et irrésolues.

 

La construction de ces deux symboles – le bol et le corps humain – ainsi que le regard et le conflit entre eux, nous entraîne dans une lutte éternelle.

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Le Bol et l’Espace : Tension dans le Vide

La gestion de l’espace dans la série Bol de Laurent LU est une autre dimension qui mérite d'être explorée. La relation entre les figures, le bol et l'espace n’est pas une relation tridimensionnelle simple ; au contraire, la composition stratégique de LU évoque un sentiment indescriptible d'oppression et de solitude. Le bol est placé dans un espace vaste et sans caractère, tandis que les figures humaines rampent dans le cadre, apparaissant déconnectées du monde environnant. Toute la scène est imprégnée d’une atmosphère d’isolement et de détachement.

 

Cette immensité vide symbolise l’isolement des individus dans la société moderne. Bien que les figures et le bol existent sur le même tableau, ils sont séparés par une barrière invisible. La distance et les postures entre les corps et le bol forment une relation spatiale qui mesure non seulement l’espace physique mais aussi la signification même de l’existence. Ici, le bol, en tant que symbole, devient aussi un « miroir », reflétant les émotions complexes et le profond sentiment de manque que les humains éprouvent face à leurs instincts de survie et à leurs besoins matériels.

 

Dans cet espace hautement simplifié, l’artiste utilise des éléments minimaux pour créer un environnement visuel creux, laissant ainsi au spectateur amplement de place pour l’imagination. En observant ces figures lutter, on dirait que le spectateur est invité dans ce monde vide pour éprouver le même sentiment de solitude existentielle et d'impuissance. L’interaction entre l’immobilité de l’espace et l’impuissance des figures génère une tension émotionnelle accablante. Les figures se courbent et rampent, s’efforçant de se rapprocher du bol, tous leurs efforts étant dirigés vers ce but vide. Ce conflit est exprimé silencieusement à travers les œuvres.

 

L’agencement spatial dans la série Bol présente un effet visuel ouvert et théâtral semblable à une scène. L’arrière-plan est généralement dépourvu d’éléments décoratifs. Bien que les couleurs soient vives, cette luminosité crée paradoxalement une sensation de vide et de manque. Sans traces du monde extérieur, les figures et le bol apparaissent isolés sur une scène fermée, devenant les points focaux de l’observation. Le spectateur est conduit dans ce royaume théâtral, où l’ambiance scénique amplifie la tension entre l’individu et la matérialité. Sur cette scène stérile, le bol devient un symbole d’autorité, un point focal inévitable de tous les espoirs et de toutes les luttes.

 

LU s’abstient de toute narration excessive dans ces œuvres, préférant une approche minimaliste qui élimine toute information visuelle superflue, ne laissant que les éléments essentiels. Ainsi, l’espace construit dépasse une simple structure tridimensionnelle froide et devient un champ sensoriel, émotionnellement superposé, rendant l'œuvre profonde et lourde.

 

 

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Exploration du Style : De Lüpertz et Bacon à Goya et Matisse

Dans la série Bol, le changement stylistique de Laurent LU apparaît profond et introspectif. Cette évolution se caractérise non seulement par une approche minimaliste de la forme, mais aussi par une transformation conceptuelle significative. Alors que les premières œuvres de LU étaient fortement influencées par Markus Lüpertz et Francis Bacon, son langage artistique a progressivement intégré des éléments rappelant Goya et Matisse. Ce changement a déplacé son expression d’une approche directe et viscérale à une exploration existentielle plus profonde et solitaire.

 

Au début de sa carrière, les créations de LU portaient les marques du néo-expressionnisme. La manipulation de la forme et de la tension émotionnelle par Lüpertz a fourni à LU une nouvelle dimension pour l’expression émotionnelle. L'impact de Bacon est particulièrement notable dans la série Bol, où les figures humaines déformées et l’atmosphère psychologique intense rappellent la représentation de l’existence torturée par Bacon. LU utilise également la relation isolée entre le bol et les figures pour explorer les luttes de la survie individuelle. Sa représentation des formes humaines est réduite à leur essence, utilisant le symbolisme à l’extrême. Tout comme les compositions minimalistes de Bacon transmettent une tension intérieure, LU encapsule une narration silencieuse dans le symbolisme du bol.

 

De plus, LU puise dans la vision sombre et grotesque de Goya. Goya, connu pour ses figures bizarres et ses critiques sociales profondes, résonne avec les dynamiques relationnelles entre le bol et les figures humaines dans la série Bol. Bien que LU n’adopte pas les scènes concrètes de Goya ou ses récits complexes, il utilise un langage visuel saisissant pour distiller la tension entre la société et l’individu dans l’affrontement entre le bol et les figures humaines.

L’influence de Matisse est plus évidente dans le traitement du corps humain. Alors que Matisse transmettait un sens de vitalité et de mouvement rythmique à travers la couleur et la pose, la représentation du corps humain par LU est radicalement différente : elle est remplie de douleur et de soumission, reflétant un sentiment d’impuissance et de désorientation dans le monde matériel.

 

LU synthétise les éléments formels et philosophiques de Goya et Matisse, les poussant encore plus loin dans son propre travail. Là où les images grotesques de Goya reflètent l'absurdité de la société, LU distille ces thèmes à leur essence, représentant des scènes stériles et des figures isolées pour explorer la relation entre l’homme et le monde matériel. Chaque bol devient un point focal silencieux, les figures étant des points de contraste, attirant le spectateur dans une relation chargée de tension qui évoque un sentiment inéluctable de destin.

Cette transformation stylistique permet à LU de poursuivre son exploration de la condition humaine, élargissant la profondeur et l’étendue de ce thème. En fusionnant les dimensions sociales et existentielles, il présente un monde clos et déserté. Le changement dans le langage visuel révèle l'inclination critique de LU et sa profonde perspicacité des désirs primaires. Ainsi, la série Bol marque sa progression d'une expression directe vers une enquête artistique plus contemplative.

 

Cependant, en examinant l’ensemble de la série Bol, on peut sentir que cette simplification extrême et cette réduction des éléments conduit inévitablement l'œuvre dans un royaume isolé et fermé. L’artiste dépouille les figures de leurs attributs sociaux et de leurs complexités, réduisant la nature humaine à une réponse brute et instinctive. Cette approche risque de présenter un dilemme existentiel quelque peu réducteur, caractérisé par une vision de l'existence presque stérile.

 

Peut-être qu'en contrepartie de cette approche réductrice, où la complexité de l’expérience humaine est trop minimisée, les œuvres récentes de LU affichent un changement significatif. Il s'est tourné vers l’histoire de l’art pour s’inspirer, optant pour des séries composées de triptyques multiples pour enrichir l'expression thématique. Cette méthode permet une représentation plus nuancée et multidimensionnelle de ses idées. Comme le montre la série Bol, les spectateurs sont confrontés à un sentiment palpable de perte, de physique à existentielle. LU invite son public à remplacer l'auto-déception par une confrontation directe, l’acceptation sur l’évasion, et à trouver un courage affirmant la vie en faisant face au vide.

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Pour LU, l'acte de création est un reflet de ses pensées à différents stades de la vie. À partir de cette perspective, la question se pose : dans son expression minimaliste et symbolique, l'exploration approfondie du soin humaniste et du sens sociétal, en ajoutant de nouvelles dimensions à la représentation de la nature humaine, deviendra-t-elle le centre de son prochain chapitre artistique ?

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