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L'Évolution du Geste : Construire un Système Visuel

Liu Sichuan

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Dans le langage artistique, les gestes du corps humain servent de forme d'expression ancienne mais vibrante. Depuis les chasseurs courant dans les peintures rupestres préhistoriques, les prières dévotes des saints dans les œuvres religieuses de la Renaissance, la physicalité dramatique de l'art baroque, les lignes gracieuses du rococo, les distorsions exagérées du modernisme, jusqu'aux expressions conceptuelles de l'art de la performance contemporaine utilisant le corps comme médium—les gestes ont toujours imprégné la pratique artistique par leur ambiguïté et leur complexité inhérentes, formant une pierre angulaire du langage visuel.

 

En tant que l'une des formes d'expression artistique les plus instinctives et les métaphores les plus profondes, les gestes sont recontextualisés dans un cadre contemporain dans les peintures de LU Hang. À travers son exploration soutenue de postures telles que s'agenouiller, s'accroupir, ramper, grimper, sauter, il construit un récit visuel unique, un système qui interroge de manière persistante l'essence de l'existence humaine et les limites du langage visuel.

Le Geste : Un Langage Dynamique et l'Écriture de la Peinture

L'exploration des gestes par LU Hang n'est ni abrupte ni isolée ; c'est un processus dynamique et évolutif. De ses premières représentations de postures basses à son recent intérêt pour le thème de l'ascension, ses œuvres révèlent la multidimensionnalité et l'évolution du langage gestuel. Cette évolution utilise le mouvement corporel comme véhicule, plongeant dans une double exploration de la forme picturale et de la profondeur conceptuelle.

 

Dans ses premières œuvres, comme In the Basement (2016) et Opportunist (2016), les actes de s'accroupir et de ramper occupent le centre de la composition. Ces postures basses, accompagnées de compositions compactes, créent un fort sentiment d'oppression spatiale. Les corps, apparemment retenus ou réprimés par une force invisible, font écho formellement à l'accent mis sur les figures émaciées dans les œuvres de maîtres tels que Michel-Ange et Goya. Cependant, dans le contexte visuel réimaginé de LU Hang, ces figures transcendent les récits religieux ou historiques de la souffrance, devenant des symboles universels de la fragilité et de la résistance humaines.

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Au fur et à mesure que son travail progresse, LU Hang expérimente l'extension du mouvement et la transformation des gestes pour explorer la relation entre le corps et l'espace. Dans la série Gymnastics (2023), les figures dépassent les postures basses, utilisant des mouvements d'étirement et de grimpe pour créer un sentiment de continuité dynamique au sein de la composition. Les corps étendus et les mains levées, semblant chercher un ancrage, peuvent symboliser la « lutte » ou la « soumission », mais suggèrent aussi une approche de l'inconnu, une recherche d'équilibre, et un sens latent et ambigu de direction. Ce sens de direction est accentué par la gestion des lignes par LU—des lignes fluides croisent des coups de pinceau fragmentés, créant un rythme visuel contradictoire mais unifié qui articule l'ambivalence et l'incertitude de l'action.

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Dans ses œuvres plus récentes, représentées par la série Dance (2023), le langage gestuel est encore plus libéré. Les images de figures sautant et bondissant passent de formes humaines représentatives à des expressions pures de mouvement. À mon avis, cette expression n'est pas simplement une percée visuelle superficielle ou une libération, mais incarne une exploration de l'équilibre et de la tension. Les gestes des figures sont poussés à leurs extrêmes, tandis que leurs corps semblent prêts à tomber ou à s'élever à tout moment, générant une tension non résolue. Cet état ne donne pas de réponse définitive, mais laisse plutôt les réponses souffler au vent.

 

LU Hang souligne constamment que la peinture est une forme « d'écriture » plutôt qu'une simple création, et cette approche se reflète profondément dans son exploration du langage gestuel. Les coups de pinceau dans ses œuvres ne servent pas seulement à façonner les formes, mais aussi de traces enregistrant l'évolution des gestes. Par exemple, dans Red Torso (2022), il construit une sensation d'épaisseur dynamique en superposant et ajustant ses coups de pinceau à plusieurs reprises. La figure rouge émaciée apparaît moins peinte que « grandie » à travers des actes successifs d'écriture. Cette obsession pour les coups de pinceau et la dynamique détache progressivement son langage gestuel de la représentation, le transformant en une forme artistique ouverte.

Dans l'histoire de l'art, l'exploration des gestes en tant que système a été un thème récurrent. Des expressions dramatiques du corps humain par Michel-Ange dans le plafond de la chapelle Sixtine, à la construction narrative des gestes de groupe par Delacroix dans le romantisme, et aux études continues des postures des danseurs par Degas, les gestes ont toujours été des outils vitaux pour les artistes afin d'exprimer les émotions humaines, les états psychologiques et les relations sociales. Pour ces maîtres, l'étude des gestes ne s'est jamais limitée à une simple imitation du mouvement ; elle est devenue un langage formel qui construit la tension compositionnelle et révèle la profondeur humaine.

 

L'exploration des gestes par LU Hang s'inscrit clairement dans cette tradition, mais il développe progressivement une conscience créative unique. Dans ses œuvres, les systèmes gestuels ne servent plus des récits externes mais deviennent un système de langage indépendant—aussi un médium qui reflète les conditions humaines universelles et expérimente les limites de l'expression artistique. Son écriture minutieuse et la formation des gestes proviennent d'une interrogation persistante sur la dynamique du mouvement lui-même, révélant la complexité des gestes comme mode d'existence.

 

Dans cette optique, l'approche créative de LU Hang peut être vue comme une réponse moderne à la philosophie artistique traditionnelle : il ne cherche pas à transmettre une conclusion prédéterminée à travers les gestes. Au contraire, il exploite leur ouverture et leur ambiguïté pour inviter les spectateurs dans un processus fluide de contemplation. Que ce soit à travers la crouche basse ou le bond triomphal, le système gestuel de LU Hang porte une réflexion à multiples couches sur l'expérience humaine, soulignant que l'art ne doit pas simplement reproduire le monde, mais en construire un. Cette vision créative ancre son langage gestuel dans la tradition artistique tout en lui insufflant une forte pertinence contemporaine, offrant de nouvelles possibilités pour les gestes en tant que langage visuel.

 

Du Classique au Contemporain : Réinterpréter les Symboles et Étendre l'Esprit

 

En tant que langage central de l'expression artistique, la forme humaine a porté des significations diverses au fil de l'histoire, de la recherche de la beauté proportionnelle dans la Grèce antique, à la quête du salut au Moyen Âge, à l'exploration scientifique de la structure durant la Renaissance, à la déconstruction et au réassemblage de la forme dans le modernisme. L'étude de la figure humaine a progressivement évolué au-delà des considérations formelles, devenant un médium pour explorer les émotions humaines et les questions philosophiques. Cette tradition a atteint une nouvelle profondeur dans le travail tardif de Michel-Ange, Pietà Rondanini.

 

Cette sculpture inachevée reflète la profonde réflexion de Michel-Ange dans ses dernières années sur la foi religieuse et l'essence de l'humanité. Contrairement aux figures robustes et puissantes couramment vues dans son travail, la figure du Christ dans cette pièce est émaciée et fragile, reposant dans l'étreinte de la Vierge avec un sens éthéré de départ imminent. La texture inachevée de la sculpture préserve son ouverture à l'interprétation, transformant l'image du Christ d'un simple symbole de souffrance en quelque chose de bien plus universel. Cet « inachèvement » transcende le récit religieux, exprimant une profonde conscience de la fragilité et de l'incertitude de la vie.

 

De même, L'Homme qui marche d'Alberto Giacometti, fortement influencé par Sartre et la philosophie existentialiste, transmet un puissant sentiment de solitude et de réflexion existentielle. Ses figures minces et allongées apparaissent fragiles dans de vastes espaces, mais rayonnent de tension. Cet impact visuel défie les notions traditionnelles de proportion et de poids en sculpture, tout en incarnant l'isolement et les luttes de l'existence moderne. Les formes simplifiées de Giacometti se concentrent sur l'essence de la vie, permettant aux spectateurs d'expérimenter l'aliénation entre les humains et le monde. Chaque ligne fine dans ses sculptures raconte les difficultés et l'absurdité de l'existence humaine. Ces statues, à la fois statiques et dynamiques, posent la question éternelle : quelle est la place de l'humanité dans le monde ?

 

LU Hang tire une profonde inspiration de ces œuvres, mais sa réinterprétation imprègne ces figures de nouvelles significations contemporaines à travers l'abstraction et la reconstruction. De Opportunist (2016) à Red Torso (2022) et Dance (2023), l'évolution de la « figure mince » est évidente. Bien que ces formes poursuivent l'esthétique « atténuée », leur direction spirituelle a subi une transformation fondamentale. LU cherche à dépasser la fragilité physique transmise par ces figures rouges et minces, explorant plutôt la vulnérabilité de l'esprit et de l'humanité de l'individu dans la société contemporaine. Face aux défis d'aujourd'hui, l'incomplétude physique et la désorientation spirituelle de ses figures deviennent des métaphores centrales dans ses œuvres.

 

En particulier dans Red Torso, le corps rouge émacié apparaît à la fois comme un organisme en chair et en os et un symbole flottant. La technique de l'artiste consistant à superposer et ajuster les coups de pinceau crée une fluidité dans les contours de la forme, oscillant entre clarté et obscurité, imprégnant la figure d'un sens ambigu de l'existence. Cette ambiguïté résonne subtilement avec la texture inachevée de la Pietà Rondanini de Michel-Ange, tout en reflétant également la position créative distincte de LU Hang. Il ne semble pas utiliser la minceur pour transmettre une force salvifique ; au contraire, il transforme cette forme en un véhicule pour interroger la relation de l'individu avec la société, l'histoire et le soi. Par cette approche, nous apercevons un hommage à l'art classique dans ses figures, tout en réactivant et en étendant son esprit.

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Cette qualité de réinterprétation est encore évidente dans les figures « sans tête » de LU Hang. Dans la série Bowl, l'absence de la tête rend la forme humaine exceptionnellement fragile, mais simultanément imprégnée d'une force indéniable. LU situe cette imagerie dans des contextes historiques et culturels duals : d'une part, il s'inspire de la mythologie chinoise, comme le guerrier sans tête Xing Tian du Classique des montagnes et des mers, symbolisant la résilience et la défiance ; d'autre part, il est influencé par le concept de l'Homme Acephalique de Georges Bataille. Par la simplification formelle et l'abstraction symbolique, LU diminue la spécificité de ces origines culturelles, transformant les figures en représentations abstraites des conditions humaines universelles. L'absence de la tête signifie à la fois la dissolution de l'identité et un subtil indice sur la reconstruction de la subjectivité.

 

À travers cette réinterprétation et cette innovation, LU Hang non seulement étend l'esprit classique, mais cherche également à transcender les limites du contexte classique. Il intègre des idées issues de la littérature, de l'histoire de l'art et de la philosophie dans son travail, insufflant un langage gestuel plus complexe et ouvert. Dans ce processus, le langage visuel de LU subit une transformation—du religieux au séculier, du narratif au symbolique—devenant une forme d'expression qui incarne à la fois l'universalité et l'individualité.

 

Cette approche créative reflète l'engagement de LU avec l'histoire de l'art. Son exploration à travers le médium des gestes représente un cheminement important et un marqueur de sa pratique systématique et basée sur la recherche. Observer son travail sous cet angle révèle sa construction continue de formes et de significations, ainsi que les qualités qui le marquent comme un artiste en maturation : le passage d'expressions fragmentées à une exploration systématique du langage visuel, et l'effort pour établir un système de pensée et de forme indépendant dans la peinture.

Cependant, dans la nature hautement symbolique du langage gestuel, LU fait face à des défis continus dans ses créations futures. Comment peut-il éviter la rigidité formelle et le détachement émotionnel ? Comment peut-il maintenir les interprétations multidimensionnelles du spectateur au milieu de l'écriture répétitive ? Ces défis résonnent eux-mêmes avec les questions plus larges auxquelles la peinture contemporaine est confrontée à une époque de « saturation visuelle ».

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